01 septembre 2016

Au péril de la mer de Dominique Fortier

peril2Au péril de la mer / Dominique Fortier. — [Québec (Québec)] : Alto, [2015]. – 171 p. ; 21 cm. – ISBN 978-2-89694-225-1

Quatrième de couverture

Aux belles heures de sa bibliothèque, le Mont-Saint-Michel était connu comme la Cité des livres. C’est là, entre les murs gris de l’abbaye, que trouva refuge, au quinzième siècle, un peintre hanté par le souvenir de celle qu’il aimait. C’est là, entre ciel et mer, que le retrouvera cinq cents ans plus tard une romancière qui cherche toujours le pays des livres. Ils se rencontreront sur les pages d’un calepin oublié sous la pluie.

Avec ferveur et intelligence, Dominique Fortier grave dans notre esprit un texte en forme de révélation, qui a la solidité du roc et l’ivresse des navires abandonnés. À la fois roman et carnet d’écriture, Au péril de la mer est un fabuleux hommage aux livres et à ceux qui les font. 

L’auteur

Dominique Fortier est née en 1972 à Québec. Elle étudie en littérature française à l’Université McGill de Montréal et y obtient son doctorat. Elle travaille comme réviseuse, traductrice et éditrice. En 2008, elle publie son premier roman, Du bon usage des étoiles, qui sera en sélection pour de nombreux prix. Il remportera le Prix Gens de mer du Festival Étonnants voyageurs en 2011.

Elle poursuit sa carrière de traductrice et d'éditrice tout en continuant d'écrire des romans. Elle vit aujourd'hui à Montréal.

peril1Bibliographie partielle

  • Du bon usage des étoiles (2008)
  • Les larmes du Saint Laurent (2010)
  • La porte du ciel (2011)
  • Révolutions (2014)
  • Au péril de la mer (2015)

Mes commentaire

Et oui, une "lecture sauvetage"... Et pourtant, les autres livres de Dominique Fortier sortent bien. Mais celui-ci... boudé complètement par les abonnés de la bibliothèque. Alors, j'ai dû le lire, surtout qu'on parle ici du Mont-Saint-Michel, endroit où j'ai versé quelques larmes quand je l'ai vu. J'avais tellement hâte et en même peur de le voir. Parfois voir les lieux qui nous appellent depuis des années n'est pas facile et même décevant. Quéribus m'a ensorcelée, mais le Mont-Ségur m'a laissée déçue. Enfin, tout ça pour dire que le Mont-Saint-Michel est dans mon cœur et j'avais très envie de lire le livre de Fortier. Et de le sauver.

Est-ce que ce fut une rencontre heureuse ? Oh que oui ! Un roman ensorcelant, et terriblement personnel pour l'auteure qui a laissé un peu d'elle-même dans les pages de son livre et au Mont-Saint-Michel. Car elle aussi elle a un attachement particulier avec le Mont.

Le livre a pour point central le Mont-Saint-Michel, parfois au XVe siècle et parfois aujourd'hui. Au XVe siècle, nous retrouvons Éloi, un peintre, qui survit tant bien que mal à une peine d'amour tragique et qui cherche refuge au Mont. L'histoire d'Éloi est triste, douce et fort prenante. Nous découvrons le Mont au XVe siècle à travers les yeux de cet homme rongé par le chagrin. Les mots de l'auteur sont poétiques et envoûtants. Les émotions d'Éloi semblent réelles et l'époque nous apparaît vivante. On se laisse envahir par l’atmosphère du Mont et par la peinture et les livres.

L'histoire d'Éloi est entrecoupée des réflexions personnelles de l'auteur. Elle nous parle du Mont, bien sûr, mais aussi de mots, d'écriture, de livres, de sa vie, de sa famille, de ses souvenirs, ses espoirs et ses peurs. Certains ont trouvé ces passages trop personnels et brisant le rythme du récit principal. Je ne suis pas d'accord. Oui, l'auteur semble nous livrer des pages d'un journal intime. Elle expose sa vie, ses réflexions. Mais je n'ai jamais senti que j'étais une voyeuse ou que l'auteure était une exhibitionniste. Ses réflexions m’ont semblé se coller doucement à l’histoire d’Éloi ; les souligner et les compléter.

Ce roman est une ode au Mont-Saint-Michel, à l’art et à la vie. C’est un peu kétaine comme phrase, je le sais et je l’assume, mais cela résume bien ce que j’ai ressenti à la lecture du roman de Fortier.

Les mots de l’auteur

« J’ai passé vingt-cinq ans sans le revoir. Quand le temps est venu d’y retourner, j’ai commencé par suggérer que nous n’y allions pas : nous avions peu de temps avant de rentrer à Paris ; on annonçait de la pluie il y aurait sans doute des hordes de touristes. En vérité, j’avais peur, comme chaque fois qu’on revient sur les lieux de son enfance, de les trouver diminués, ce qui signifie deux choses l’une : ou bien ils ne nous étaient apparus grands que parce que nos yeux étaient petits, ou bien nous avions perdu en route la faculté d’être ébloui, deux contestations également accablantes. Mais il n’avait pas changé, et moi non plus.» p. 7

«Plus que des maisons de pierre et de bois, nous habitons d’abord des cabanes de mots, tremblantes et pleines de jours. On dit je t’aime pour se réchauffer ; on dit orange, et l’on se sent les doigts ; on dit il pleut pour le plaisir de rester à l’intérieur, pelotonné près de la lumière du mot livre. (Livre, qui vient de liber : la partie vivante de l’écorce d’un arbre, mais aussi liberté.)

Bien sûr le monde est là, les choses existent, mais on peut toujours les changer ou les faire disparaître en un claquement de doigts ; en disant je ne t’aime plus. Ou, je crois » p. 43

« Tu ne feras point d’image taillée, ni de représentation quelconque des choses qui sont en haut dans les cieux, qui sont en bas sur la terre, et qui sont dans les eaux plus bas que la terre.

Que reste-t-il donc une fois cette liste écartée, si ce ne sont les créatures fabuleuses dont Anna peuplait ses tapisseries ? Elles n’appartenaient ni au royaume des cieux, ni à la terre, la plupart étaient tissues de son imagination. Ainsi, seuls ces monstres ne seraient pas une offense à Dieu ? » p.125

Pour en savoir un peu plus…

Posté par Laila_Seshat à 17:30 - Commentaires [0] - Permalien [#]
Tags : , , , , ,


21 février 2007

Pont Aven

Un détour en France, il y a quelques temps, m’a mené vers un fort joli et très connu village du nom de Pont-Aven. Situé en Bretagne, non loin de Quimper, ce village est aujourd’hui célèbre, non seulement pour sa très grande beauté, mais par le fait PontAven1que cette beauté y a amené nombres d’artistes connus. Des noms plus anciens comme Corot et Gauguin mais également plusieurs artistes contemporains. Les galeries d’art se multiplient d’ailleurs dans le village.

L’arrêt fut imprévu – histoire de se ravitailler – mais le coup de foudre si fort, que le village fut visité deux fois. Une première fois de soir, et une deuxième fois le lendemain matin.

Le village n’est pas très grand. Mais son histoire marquée par les artistes qui y ont séjourné et qui y vivent encore peut être perçu dans chaque petite rue.

Les premiers artistes à découvrir ce village du Finistère en Bretagne viennent de l’Angleterre, de la Scandinavie et de l’Amérique. Le village est accueillant, le coût de la vie y est abordable et l’inspiration semble y venir naturellement. Rapidement, plusieurs peintres français, particulièrement parisiens viennent les rejoindre. Principalement citadins, les artistes viennent se perdre dans l’ambiance pittoresque de ce petit village breton. Maisons typiques, petit port accueillant, village animé et vivant, villageois (les Pontavenistes) souriants et ouverts aux visiteurs, le village est rempli de paysages charmants. Les artistes – et bientôt les visiteurs et touristes – y viennent donc rapidement en grand nombre. Les auberges et petits hôtels, restaurants, terrasses et cafés s’y multiplient pour loger et nourrir tous ces visiteurs.

Plusieurs artistes connus viendront à Pont-Aven dont tout d’abord plusieurs peintres académiciens. Ceux-ci feront connaître le village en offrant des peintures surtout inspirées par les costumes, les gens et les paysages bretons.

_coleAven1Corot y a aussi séjourné en 1862, ainsi que beaucoup d’autres peintres, dont le plus célèbre est sans doute Gauguin, qui s’y installe pour une première fois en 1886. Gauguin qui a prit activement part au mouvement impressionniste, ami de Pissarro et autres peintres impressionnistes, est amené à Pont-Aven par Jobbé-Duval. Ce dernier, bien qu’il soit originaire de la région et qu’il ait introduit Gauguin en Bretagne a peu de lien avec les sujets bretons.

Gauguin s’installe dans le village en 1886, dans ce qu’il appelle « un petit trou pas cher ». Il exploitera la lumière et les paysages de la Bretagne avant de quitter pour la Martinique. Il reviendra cependant à plusieurs reprises à Pont-Aven et participera avec d’autres peintres – entre autres Émile Bernard et Paul Sérusier – à ce qu’il est maintenant convenu d’appeler  "l'école de Pont-Aven".

L’école de Pont-Aven prend forme dans le cloisonnisme et le synthétisme. Il y a une recherche d’une peinture plus primitive, une peinture simplifiée, une volonté d’exalter la couleur.

Le cloisonnisme, nettement inspiré du vitrail, se définit par une technique qui trace les contours des_coleAven2 figures avec de grands traits foncés, isolant ainsi les éléments. La couleur est ensuite appliquée en larges aplats. On ne voit pas nécessairement de perspective. Les couleurs, habituellement très vives, sont ainsi mises en valeurs. Gauguin avait une nette préférence pour le bleu lorsqu’il utilisait cette technique.

Les peintres vont ensuite « créer » et « explorer » le synthétisme qui s,inspire du cloisonnisme. On simplifie les formes et on mise plus sur la suggestion, plutôt que la description. On va de plus en plus à l’essentiel, on simplifie la technique, on élimine les détails superflus qui ne m’ont pas une signification. Seuls les détails qui sont importants, qui transmettent l’idée et le message de l’œuvre sont conservés. On peut reconnaître une femme dans un personnage même sans les détails anatomiques, on voit une maison dans un dessin, même sans les portes et fenêtres…

Le tableau « Les bretonnes dans la prairies verte » d’Émile Bernard est un des premiers tableaux à utiliser ce style de peinture.

On dit que la peinture de Pont-Aven est poétique, douce. On souligne aussi une volonté de « peindre de mémoire » et non une représentation fidèle. À la suite de Gauguin et des premiers artistes à venir à Pont-Aven, d’autres artistes s’inspirèrent de cette première école. Ils découvrent les toiles de Gauguin, et à partir de 1889, ils forment ce qui est convenu d’appeler les « Nabis », c’est-à-dire les Prophètes de cette nouvelle forme de peinture. Ils se sentent libres des contraintes académiques, ils osent…

À cette époque et après, Pont-Aven a inspiré nombres d’artistes, peintres et écrivains. On retrouve des noms comme Fauché, Mauffra, Botrel, et beaucoup d’autres.

Pont-Aven attire de nombreux artistes et visiteurs… ce succès change un peu l’atmosphère et le visage du village. Il sera délaissé peu à peu – trop de monde, trop populaire. Mais les artistes n’ont jamais vraiment quitté Pont-Aven… il suffit de voir les galeries et les nombreux artistes qui peuplent encore aujourd,hui le village.

Sources :

- http://www.pontaven.com/
- http://terresdelegendes.monsite.wanadoo.fr/page4.html
- http://perso.orange.fr/art-deco.france/pontaven.htm
 

- Voyage en Bretagne / Serge Duigou. – Éditions d’Art – Jos Le Doaré, 1999. – 144 p. : ill. – ISBN 2855432138.

Posté par Laila_Seshat à 00:03 - - Commentaires [0] - Permalien [#]
Tags : , ,

15 octobre 2006

Peinture: Le Vampire de Munch

medium_edward_munch_vampire__1893_190772Titre de l’oeuvre: Le Vampire
Nom de l’artiste
:  Edvard Munch

Date
: 1893-4
Médium
: Huile sur toile
Dimension
: 91X109 cm

 

Biographie de l’artiste :

Edvard Munch est né à Löten en Norvège en 1863. On le considère comme non seulement un des précurseurs de l’Expressionnisme mais également comme un des peintres qui a contribué à la formation du genre.

Munch a brièvement étudié à l’école technique, puis se consacre rapidement à l’étude de l’art. Il étude le l’Art classique, la naturalisme, le dessin et ses premières œuvres sont inspirées du réalisme français et il est reconnu très tôt dans sa carrière comme un artiste de grand talent. Il rompra cependant rapidement avec le réalisme. Son passage à l’expressionnisme provient en grande partie dans sa recherche pour transmettre dans son œuvre une expérience personnelle et douloureuse. Il produit alors en 1885, le tableau « L’enfant malade ». Malgré les critiques négatives, Munch poursuit dans cette voie et même si les prochains tableaux sont un peu moins provocants, on retrouve encore une atmosphère lyrique qui se détache définitivement du réalisme.

Ses œuvres seront par la suite fortement influencées par ses relations dans la sphère anarchiste de l’époque. On retrouve dans ses tableaux l’expression de ses conflits internes, de sa volonté de dépeindre les ennuis de la vie moderne ainsi que sa propre vie. On dit souvent les œuvres de cette époque font partie de sa production « biographique-littéraire ».

Il vivra un certain temps à Paris, où il explorera les mouvements post-impressionniste et anti-naturaliste et même pointilliste. Ses œuvres demeurent cependant empreintes de ses propres expériences, impressions et émotions, ainsi que de l’expression de la décadence de la fin du siècle. Il ira ensuite à Berlin, et gravite dans un cercle d’artistes, littéraires et intellectuels où on retrouve nombres de scandinaves. Les discussions tournent autour de l’art, la philosophie, l’occultisme, le fantastique, la psychologie, etc. Ses œuvres de cette époque conservent les mêmes thématiques, mais on peut y voir également certains aspects sombres de l’amour, la mort, la maladie… On note une tendance au symbolisme. Une grande influence sur l’œuvre de Munch provient de l’écrivain polonais Stanislaw Przybyszewski et de la femme de ce dernier connu sous le nom de Ducha. L’écrivain polonais qui explore le satanisme et le fantastique pousse Munch dans ses thèmes et sa femme, très belle, et dont Munch aurait été amoureux lui inspire sa vision de la femme troublée : attirance et peur, érotisme et mort…

De retour à Paris, vers 1896, Munch explorera d’autres moyens graphiques, tels la gravure, la lithographie. Il réalisera également des affiches. Il peint cependant toujours. Ses œuvres ont pour thèmes, la solitude, l’angoisse, la difficulté de vivre, l’amour sombre et tragique, la maladie, la mort, la tristesse, etc., mais on retrouve également une orientation métaphysique courante à l’époque. Les expériences et émotions personnelles de la vie de Munch se retrouvent toujours dans ses œuvres. 

Il s’établit au début du XXe siècle, comme un peintre reconnu et comme une influence sur de nombreux artistes. Il expose à plusieurs reprises à Berlin, Prague, ... Parmi ses œuvres les plus connues on retrouve Le Cri (1893) qui exprime toute la solitude de l'homme. Comme beaucou de ses oeuvres, il en fit plusieurs versions. Edvard Mubch décède au début de l'année 1944 à Ekely.

 L’œuvre :

L’œuvre de Munch aborde souvent le thème de la femme dans son aspect conflictuel d’objet d’amour et de désir mais également de répulsion.

Cette oeuvre intitulée « Le Vampire » qui fut réalisée en 1893, représente selon toute probabilité, la femme de l’écrivain polonais Stanislaw Przybyszewski. Cette femme aux cheveux roux qui aimait la vie, rire, était une grande buveuse d’absinthe et qui selon les témoins de l’époque, était très belle, avait de nombreux prétendants –dont Munch. On a dit d’elle qu’elle rendait les hommes fous par sa beauté, son rire et sa cruauté. Elle fut une grande inspiration pour Munch. L’oeuvre « Le Vampire » faisait partie d’une série de dessins, pastels et peintures sur le thème de l’émotion. Munch développa ce thème et donna aux œuvres issus de ce cycle, le titre de « La Frise de la Vie ».

Le cycle « La Frise de la Vie » finira par incorporer la plupart de ces œuvres majeures, dont « Le Cri ». Il exposa la première séquence d’images de ce cycle à Berlin en 1893 sous le titre « Amour ». On pouvait voir dans cette exposition, six pièces (des peintures et des pastels-études pour des peintures) qui proposait la vision de Munch du chemin sur la voie de l’Amour : l’innocence, la passion, la douleur émotionnelle, la jalousie et le désespoir. La 3e œuvre de cette séquence était intitulé « Amour et Douleur » et était une étude en pastel. Cette étude se voulait étude de l’intimité entre la douleur et l’amour. On sent le désespoir de l’homme qui aime, la femme offrant un peu de compassion à cet amour et semble consoler son amant. Elle le domine cependant et on sent de l’ambiguïté dans ce tableau. Est-ce qu’elle le garde sous sa domination ou tente-t-elle de le consoler?

On sent de la tendresse mais également une froideur de sentiment soulignée entre autre par les couleurs sombres et oppressantes du décor. Les deux personnages s’enlacent dans la scène et donc sont attachés l’un à l’autre, peu importe l’aspect conflictuel de l’amour et de la douleur, du désespoir et du réconfort. L’un n’allant pas sans l’autre dans la thématique de Munch. Malgré la douleur, l’homme s’agrippe désespérément à la femme à qui il offre sa douleur, sa dévotion, alors que la femme le tient aussi fermement comme si elle voulait le réconforter mais également le garder dans cette position de supplication. Elle est celle qui garde cet amour-douleur dans cet état. Nous sommes ici très proches des sujets et l’intimité de leur enlacement, nous rend voyeurs de leurs passions et leurs douleurs.

Lorsqu'il vit la peinture pour la première fois, son ami Stanislaw Przybyszewski donna spontanément le titre « Vampire » à l'oeuvre en y voyant cet aspect de douleur que la femme semble soulager mais aussi amplifier. Il y vit une domination de la femme qui vampirise l'amour de l'homme. Munch décida de conserver ce titre. Il reprendra ce théme dans plusieurs autres oeuvres, en soulignant de plus en plus, cette idée qu'aimer une femme est dangereux pour l'homme qui risque d'y perdre sa volonté, son identité et le rapproche de la mort. Petit à petit, il ira jusqu'à enelever de ses oeuvre, l'élément de réconfort qui semble présent dans le « Le Vampire » comme par exemple, dans « Cendres » où la femme et l'homme sont complètement séparés. On y retrouve le désespoir, mais aussi l'isolation et le sentiment de perte.  

munch_cendres_1894

« Cendres » 1894

Et « Amour et Douleur » devient donc « Le Vampire ». Le regard que l’on porte alors se transforme avec ce titre, et on y voit en plus d’un sentiment de soumission, de douleur, de domination, mais également de réconfort, une sensation plus sombre, de vie et de mort. La passion devient maintenant synonyme de l’aspiration du sang de l’homme, de son essence, de son amour, de sa sexualité, de sa vie par la femme.

On voit tout de même l’homme s’accrocher à son vampire et donc une relation ambiguë avec la douleur et l’amour procurés en même temps par la femme. L’homme a désespérément besoin de l’amour et de la douleur que lui donne le vampire et ce même si cela lui donnera probablement la mort également. Alors que certains vont parfois y voir, une domination parasite de la femme sur l’homme, on doit surtout y voir une symbiose presque sacrificielle entre les deux. Malgré tout, les deux personnages semblent consentants et trouver du réconfort dans leur situation. Ils assument leur rapport douloureux envers l’amour. Ils acceptent de se faire mal par leur attitude.

Sources:

* Munch, 1863-1944 / [comité de rédaction, Maryse Bordet-Maugars... et al.]. -- Paris : Cercle d'art, 1995. --63 p. : nombreuses ill. (certaines en coul.) ; 32 cm.

* Diverses sources Web dont:

http://www.insecula.com/contact/A008594.html
http://www.photosmarval.org/peintres/expressionnisme/edvard-munch.shtml
http://en.wikipedia.org/wiki/Edvard_Munch
http://www.edvardmunch.info/edvard-munch/biography.asp

© 2006 Laila Seshat 

Posté par Laila_Seshat à 11:06 - - Commentaires [2] - Permalien [#]
Tags : ,